El encuentro con ‘Mayo Escénico’

No se puede decir ‘no’ a la siguiente programación teatral. ‘Mayo escénico’ es el nombre que recibe la propuesta que durante este mes se llevará a cabo en La Casa Encendida. Esta noche era el turno de 3encuentros. Son tres solos, tres actrices, tres voces, tres encuentros, tres diálogos diferentes que vienen a ser dos pensamientos confrontados; como telón de fondo el inexplicable sentido y sin sentido.

3encuentros

Silvia, Bea y Mónica, de forma individual salen a escena. Son ‘Las Santas’ que bajo las órdenes de Elena Córdoba, Olga Mesa y Ana Buitrago sacan a escena lo disímil, lo que no solemos ver en los teatros, van más allá. Buscan la presencia, conseguir fundir el estar y el ser en las tablas, ¿su método? Un cuerpo desnudo, despojado, sin referente formal alguno.

Una de las santas, Ana Buitrago sintetiza en palabras el primero de estos encuentros, 'Una pieza que habla en voz baja dejando escuchar un leve ruido de fondo, una distorsión chica, que desde el anonimato permite al cuerpo mostrarse sin llegar a poseerse. Intentando abrir esos espacios que emergen de la distancia entre el hacer, el sentido y el sentir. Dejar que el cuerpo accione en un sinsentido, pero no como estética, sino como experiencia, como presencia' una invitación a la reflexión que no puede rechazarse.

Sobre el segundo solo habla Elena Córdoba, otra de Las Santas, 'Es un estudio sobre la forma y la deformidad, construido a través de una reflexión sobre la luz y la sombra. En este deambular a través de la sombra hemos ido transformando los movimientos, los objetos y el cuerpo, hasta crear un espacio de ficción, como si hubiéramos escrito un pequeño cuento oscuro'

En la tercera y última intervención los sueños son los protagonistas. Y es de nuevo Ana Buitrago la que nos adelanta el plato fuerte de estos ‘3encuentros’: 'Reconocer ese espacio abierto entre tu cuerpo y mi mirada. Territorio a conquistar, en donde el cuerpo va situándose sin ser perseguido. Presencia, como escritura en construcción del deseo más inmediato. Reconstruir una memoria que busca un espacio común. La capacidad intuitiva de repartirse como cuerpo sobre una mirada colectiva. Cuerpo real. Cuerpo que siente. Cuerpo presente. Cuerpo que imagina. Cuerpo que transita. La naturaleza de las decisiones y que todo este juego no se esconda. ¿Cuál es la historia?'.

Para conocer y, sentir, la historia en tu propio cuerpo sólo tienes que acudir a La Casa Encendida. Las Santas no se limitan a interpretar un papel, van más allá porque buscan fundirse en los sentimientos del espectador, empalizar con su interior.

Si te has perdido la obra de esta noche no te preocupes. ‘Mayo Escénico’ continúa en la misma dirección. ‘Carne de mi carne’ es la próxima obra fijada en cartel, interpretado por el Teatro Meschugge. Esta vez será el desarraigo de sentirse sólo, perdido. Echando la vista atrás, centrándose en la niñez del ayer sin querer mirar hacia delante que trae la madurez del ahora. El dolor de la duda que nos hace sentir vivos. [12 de mayo, 22 horas].

Duda Paiva Pupprey and Dance trae Ángel en la tercer semana de este ciclo. Tomarán el escenario la danza y los títeres, una simbiosis perfecta para cumplir con su premisa: construir una coreografía para dos cuerpos que serán regidos por la imaginación, luchando por conseguir fundir en una sola mente una pareja. Puede existir en escena nunca en la vida real, y es que aquí todo puede llegar a ser verdad. Ángel trata de un vagabundo y su ángel de la guarda, nos puedes perderte este viaje tienes que ser, como poco, compañero. [13 de mayo 22:00 horas]

Gloria Caduca, de Compañía Lucier, pondrá el broche final a este ciclo. Esta vez la lucha entre lo humano y lo animal, lo natural y lo irreal intentará acercar al espectador a un mundo preconcebido que ve cómo sus personajes dibujan poco a poco su ‘propia’ naturaleza. [19 y 20 de mayo 22:00 horas]

Son obras cargadas de emoción y sentimientos, de las que transmiten. No puedes dejar que te lo cuenten, los sentimientos hay que vivirlos para poder juzgarlos y ‘Mayo Escénico’ está dentro de ese grupo. Y es que podrás sentir en tres sentidos, sufrir por la carne de tu carne, ansiar ser un ángel para acabar creyendo en una gloria que tiene fin. No te lo pierdas este cuento en varios capítulos si quieres soñar, al menos durante una hora y media.

Dudo que exista alguna arte escénica que requiera mayor puesta en escena que una ópera. Por ello no podemos dejar de comentar el grandioso espectáculo que se presentó el pasado sábado en el Palau de Les Arts de Valencia. ‘La Tetralogía del Anillo del Nibelungo de Wagner, donde la luz, y la fusión de todas las artes han dado vida a este majestuoso espectáculo. Eligiendo en escena a La Fura del Baus

DE TODO, LO MEJOR Así podríamos resumir esta ópera que ha contado con los mejores profesionales de cada ámbito. El director es Zubin Mehta, en escena La Fura del Baus, bajo las órdenes de Carles Padrissa. La Fura más moderados que nunca han sabido estar a la altura de lo que se les pedía, y es que su trayectoria en ópera ya es más que conocida. Desde hace siete años se viene trabajando en este espectáculo, y en palabras de Mehta él buscó lo mejor. ¿Su condición? Contar con la Fura del Baus, una orquesta de calidad, como es la de la Comunitat Valenciana y las mejores voces, y matizó "Todo ello, se ha dado en este caso" La magia que desprende Padrissa se palpa ya en sus declaraciones, comentó que “Wagner concibió la Tetralogía como una obra de arte global, que ha encontrado en el Palau de les Arts 'el sitio perfecto, ya que aquí hay una unión vanguardista de las artes y las ciencias', y dejando el escenario a un lado, subámonos a la escena. Como era de esperar vanguardia no falta pero tampoco sobra, tiene el peso perfecto entre tradición y modernidad, entre el respeto que requiere Wagner y la innovación que desprende La Fura. Demostrando que arte y ciencia, a veces, pueden andar por el mismo camino. No podemos pasar por alto el vestuario que lucieron las diferentes figuras a lo largo de toda la obra, diseñado por Chu Uroz, las telas desprendían una estela de brillo donde era imposible que no se formase un espejismo captando la luz.

“LA LUZ, LA FLUIDEZ Y EL MEDITERRÁNEO”

La y una amante de las puestas en escena de La Fura, salvo en la Metamorfosis de Kafka que fue algo escalofriante e incómodo para los asistentes. Se han moderado y han logrado volver a ser los ‘reyes’ de la escena. De hecho Zubin Mehta destacó sobre el grupo “sus conocimientos, su flexibilidad y su fidelidad a la partitura de Wagner. Son ellos los que imponen disciplina en el escenario' para dar solución a las escenas más complejas” resaltó. ¿Su fuente de inspiración? “la luz, la fluidez y el mediterráneo” según Padrissa.
Han optado por un escenario nada estático que permite a sus transeúntes moverse, colgarse, salir y entrar del agua,… hacer de ello todo un espectáculo.
La estética es más furera que nunca. Combina innovaciones tecnológicas con las esculturas físicas de Jaume Plensa, todo ello sumado a las videoproyecciones de Franc Aleu. Hacen ver la morada más arcaica de los dioses de Wagner a las proyecciones más innovadoras con luz, imagen y agua. Un mundo fantástico, como las ninfas, hijas del Rin, los gigantes Fasolt y Fafner, los enanos Alberich y Mime, los dioses Wotan y Freia, humanos todo poderosos Gunther, Gutrune y Brünnhilde, los dragones Fafner y los semi-enanos Hagen.

Cualquier teatro aspira a ser reconocido en el mundo. Esta Tetralogía viajará a Florencia y al Maggio Musicale. Además, si la Fura se bautizó internacionalmente con ‘La Condenación de Fausto’, todavía le queda mucho por hacer. ‘El oro del Rin’ y ‘La Valquiria’ inauguran la primera edición del Festival del Mediterráneo que tiene previsto que se celebre anualmente. Las previsiones para 2008 ya están hechas, Sigrido y Turandot, y para 2009 ‘El ocaso de los dioses’, además de repetir la trilogía del Anillo del Nibelungo. El Palau de les Arts se la ha jugado y ha salido airoso, y con nota, de esta prueba de fuego.

No se preocupen si nunca han asistido a una ópera, si quieren disfrutar de ella, un consejo: sean tan ingenuos como puedan, ilusiónense y pongan toda su pasión mientras contempla esta obra de arte, no se arrepentirán

AHORA TOCA BAILE; Festival Internacional de Danza

Desde el pasado 9, y hasta el próximo 29 de abril se celebra la vigésimo segunda edición del Festival Internacional Madrid en Danza de la Comunidad de Madrid. Y es que ahora, toca baile. ¿Se preguntarán ustedes qué vamos a poder ver, si todavía no lo han hecho, y donde acudir? Todo está transcurriendo a la perfección. Además de haber preparado ocho teatros se han dispuesto también veinte espacios, ya se sabe, el arte no tiene un lugar fijo.

No pueden quedarse sin ver nada, en el programa se establecen unas setenta funciones que viajarán de la mano de veinticinco compañías, y digo viajaran por que vienen de ocho países diferentes. Suiza, Brasil, Finlandia, Suecia, Holanda, Francia y Gran Bretaña están dispuestos a dejarse ver. El programa lo pueden consultar en www.madrid.org/clas_artes/danza/md07/index.html

A estas alturas del festival, no podemos dejar de comentar el sensacional espectáculo ‘Mimulus’, desde Sao Paulo les dirige Jomar Mesquita, que mantiene las bases del baile de salón transformándolo en algo totalmente diferente. Un gran currículum define a esta compañía, entre otras cosas destaca su triunfo en las dos últimas ediciones de las bienales de la Danza de Lyon.
Ayer, hoy y mañana ‘Do lado esquerdo de quem sobe’, ocupará las tablas del Teatro Albéniz. Sólo tienen que ir dispuestos a conocer la historia de Brasil y su inseparable samba a través de la danza; una alineación perfecta. Un recorrido desde principios del siglo XX hasta la actualidad, ¿el gancho? La libertad y el mestizaje que aclama su espectáculo.
Asimismo, el Ballet Europa, bajo la dirección de Jean Charles Gil, llega desde Marsella con un doble programa. En la primera parte se presenta ‘Schubert in Love’, obra con un lenguaje académico muy elaborado y, en mi opinión, demasiado técnico; mientras que ‘Mireille’ es un ballet argumental basado en la novela del Premio Nobel Frederic Mistral, que nos lleva a lo más íntimo del compositor austriaco: Mireille.
El gran ejemplo de la danza contemporánea viene de la mano de Frank, y las directrices de Nigel Charnock. Quien combina el performance, el teatro y la danza en un cóctel explosivo, llevados a escena no dejan indiferente a nadie, puede pasar de la risa, a la suspicacia, a la emoción, y a sentirse más frágil que los propios bailarines.

Estos son los más destacados del programa que ya apura sus días. Como no podía ser de otra forma, lo mejor se guarda para el final. Y el Festival cerrará sus puertas conmemorando el Día Internacional de la Danza, con su decimonovena gala. Este año, la Asociación Cultural por la Danza (http://www.porladanza.com) hará entrega del premio ‘Zapato Rojo’ al Teatro Albeniz, que acogerá el evento. La noche requiere baile, puestas en escenas, y para ellos actuarán bailarines de renombre como Víctor Ullate Roche, Trasdanza (compuesto por Laura Ramos, Mónica García, Óscar Lozano, Ricardo Santana, Vanesa Medina), y Lola Greco entre otros

JOAQUÍN CORTES VUELVE CON 'MI SOLEDAD'

“La madurez influye. Puede ser que esté en un momento de vuelta a los orígenes, aunque sigue manteniéndose la frescura, la rebeldía con la que siempre he trabajado. Voy a cumplir 25 años como artista de la danza, empecé a los 12 y, desde los 20, estoy viajando por el mundo sin parar de crear espectáculos. Éste es el sexto después de 17 años de carrera en solitario. Creo que me encuentro en un momento muy dulce, como creador y como persona, y lo aprovecho de la mejor manera posible: delante del espejo, realizando un proyecto y ofreciéndoselo al público” [Joaquín Cortés sobre 'Mi Soledad']

Joaquín Cortes, un bailaor que se define a sí mismo como ‘seguro’. ‘reivindicativo’ y ‘creador’ nos ha hecho esperar tres años para volverle a ver bailar en un escenario español. ‘Mi Soledad’ ha estado en el Teatro Gran Vía desde el 28 de marzo al 15 de abril. Ya ha hecho las maletas para seguir por otras ciudades españolas, salir a Europa, Hispanoamérica y algunas ciudades árabes.

Lo dicho, ausente durante un tiempo y regresa “en soledad”, aunque según el propio Cortés, esta puesta en escena tiene este nombre porque “habla de una persona enfrentándose a la soledad, conviviendo con ella, reflexionando sobre la vida, el pasado, presente, futuro, el desamor, las inseguridades y los miedos. Es un espectáculo que aborda este asunto desde una óptica general aunque a uno también le influye su propia
soledad”

Joaquín Cortés baila solo, aunque acompañado en el escenario. Un total de 17 músicos ponen ritmo a sus pasos. Voces que responden al nombre de Loli Cortés, “La Genara”, Consuelo Rodríguez y Saray Muñoz Barril, a ellos los conocemos por ser Juan José Amador, Enrique Heredia, Antonio Carbonell Muñoz y Juan Carrasco Soto.

No podemos decir que sea un Cortés nuevo, su idiosincrasia artística sigue vive, tiene una estela que se puede seguir desde sus orígenes. De hecho, ‘Mi Soledad’ guarda la misma estructura que tuviese ‘Live’, estrenado hace ya siete años.
Para esta ocasión, y marcando diferencia con otras veces, ha optado por vestirse con los diseños de Jean Paul Gaultier, un colorido que no ha agradado a las voces más críticas. Ocres, rojos, marrones y lunares se combinan con lunares en un escenario algo tenue.
‘Mi Soledad’ es una miscelánea entre el flamenco y el ballet más clásico, con elementos de la danza contemporánea. Una composición heterogénea con grandes dosis de dramatismo. Una puesta en escena que él mismo ha definido como “collage” aunque se mantiene fiel a las ‘soleás’, tangos y bulerías, auténticas estrellas del espectáculo.
Si hay que destacar algo de este bailarín es que ha continuado creciendo, o al menos se ha mantenido. Para muchos amantes de la danza, Cortés besó el cielo con ‘Pasión Gitana’, en 1995, desde entonces a todos sus bailes le añadirías otro azucarillo.

"¡Qué el mundo entero sepa que Madrid tiene un teatro por corazón!"

“Mira, ahí hay un globo”, una expresión que podría servirnos para indicar que en ese espacio se iba a interpretar algo, un punto teatral. Y es que el pasado jueves pudimos disfrutar del teatro en un inusual espacio: la calle. Un lujo que estuvo, por fin, al alcance de todo aquel que deambulase por Madrid. La traba económica no fue esta vez un obstáculo para conmemorar la mencionada “Noche de los teatros”, una iniciativa que debería repetirse más de una vez, acortando las distancias entre espectador y escena.
Todo comenzó con la voz de Josep Maria Pou, encargado de pronunciar el pregón en la RESAD, un espacio emblemático del teatro que cumple su 175 aniversario y al que regresa el actor catalán cuarenta años después de su ingreso, "como un pardillo" a las aulas donde ser formó como actor. "¡Qué el mundo entero sepa que Madrid tienen un teatro por corazón!", decía Pou, quien esta temporada representa en la capital La cabra, o ¿Quién es Silvia? y que, aprovechó su discurso para invitar a los ciudadanos a ser "actores de la fiesta; ¡que por una noche estemos como una cabra!".
Con el pregón de Pou arrancaba el programa en la Plaza de Sánchez Bustillo, ‘Cápsulas de teatro’, tres contenedores pintados de un rosa fluorescente fueron los tres telones que mostraron las corrientes más experimentales de la interpretación.
Les aseguro que el ambiente era de lo más variopinto e invitaba a quedarse. Tuve la ocasión de compartirlo con amigos y pasar una noche de lo más divertida. La mayoría de los asistentes éramos jóvenes con ganas de vencer este pulso de las artes. Fue imposible asistir a todas las actividades programadas en 45 teatros, calles, plazas y centros culturales, desde las 5 de la tarde hasta bien pasadas la una de la madrugada, se sucedieron danza, interpretaciones y conferencias.

Entre las más destacadas están que tuvo lugar en el Teatro Circo Price. Aquí se combinaron el drama de lecturas circenses con la actuación de los componentes de ‘Charivari’, obra que todavía podéis ver porque se mantiene en cartel; otra opción fue El Círculo de Bellas Artes, un lugar donde ya se respira magia escénica de por sí, fue la escena de varias obras, que dejaron a mucha gente con la miel en la boca sin poder asistir.

Pero repitamos que la alternativa es la calle, donde todos y todas tienen cabida, y además te permiten combinar a la perfección una tarde noche de cañas en la búsqueda de varios espectáculos.

Y parece ser que la alternativa que tendía esta noche teatral tentó a más de uno, pudimos encontrar a ‘inusuales’ actores que quisieron vivir, por una noche, el gusanillo de la interpretación. La presidenta de la Asamblea de Madrid, Concepción Dancausa, la cantante Marta Sánchez y la magnifica bailaora María Pagés, entre otros, representaron fragmentos de grandes clásicos del teatro español, poniendo voz a las reflexiones que nos dejaron literatos como Unamuno, Buero Vallejo o Azorín.
En esta línea también nos sorprendieron el consejero de Cultura y Deporte, Santiago Fisas, que protagonizó junto al portavoz de Izquierda Unida en la Asamblea de Madrid, Fernando Marín, uno de los momentos más comentados del espectáculo, al interpretar juntos un pasaje de "Luces de Bohemia".Ya cuando comenzó a caer la tarde, alrededor de las 8 de la tarde, las actuaciones más multitudinarias se dieron cita en Chueca. Aquí Lola Jiménez dio vida a ‘La muerte del Cisne’, aunque también bailaron por otros escenarios Carlos Chamorro con su flamenco más contemporáneo, y Vero Condoya y Guille Vidal que mostraron a los asistentes la fusión de la danza contemporánea y la música hip hop.

Todo tenía cabida aquella noche dedica a la escena, otra muestra más de que el teatro sigue vivo, y por muchos años…. Esperemos que al menos se repita cada marzo y no sólo en Madrid. Ya saben, si nosotros los espectadores no vamos al teatro, el teatro vendrá a nosotros… y estaremos encantados de recibirle.

"Zapatillas rojas": ser testigo del poder de unos zapatos

Sentarte en la silla del Teatro Madrid para deleitarte con la puesta en escena de “Zapatillas Rojas” supone adentrarse en la atmósfera de la danza española contemporánea. Comienza el espectáculo donde Antonio Canales, Ángel Rojas, Carlos Rodríguez y Fernando Romero trabajan bajo la batuta del director de directores: José Antonio Rodríguez, director del Ballet Nacional. Y estos renombres dan la talla en las tablas.

La referencia de la puesta en escena para nuestra crítica sigue siendo importante; este ballet nos presenta su propia versión donde el directo se funde con fotografías proyectadas, cine y el sonido idiosincrásico de la radio: la radio de los años 40. Un pequeño homenaje a este medio de comunicación, más de compañía que de información.
El marco de la historia es un taller de costura de una tranquila localidad. Donde su propietaria Benita Doré tiene a tres jóvenes chicas: Karen, Susan y Meri trabajando. Las tardes transcurren entre máquinas y ‘bastidores’ teniendo como único entretenimiento la radio y los ensayos de un ballet cercano: ballet dentro del ballet.

Cristina Ayllón, interpretando a Karen, borda el papel de una mujer seducida por un hombre con el único gancho de poseer unos zapatos mágicos que bailan al son de la música de Emilio Galiacho.
”Zapatillas rojas” es en definitiva una producción vanguardista, fuera de lo tradicional, que hay que enmarcar como referente de la danza contemporánea actual. Hasta el 1 de abril en el Teatro de Madrid, para ser testigo del poder de unos ‘zapatos’ y dejarte llevar por su magia.

Teatralia

La XI edición de teatralia ya ha dado su pistoletazo de salida, desde el pasado 2 de marzo y hasta el 27 se celebra en la comunidad de Madrid este festival dedicado a las artes escénicas, donde el perfil del público es inusual, diferente: los más pequeños se convierten, por unos días, en receptores disfrutandode los eventos del programa.

No se equivoquen, este público es tanto o más exigentes que los adultos. Esta apuesta, tiene funciones educativas: crear un espectador. Un niño que disfruta acudiendo al teatro, amará este arte. Difícilmente lo hará si nadie le enseña a hacerlo. Los padres tienen aquí una función: acompañarles y educarles en este arte.

Además del programa habitual, se han diseñado dos ciclos: uno de creación musical y otro de trabajos escénicos dirigidos al público adolescente. También se ha puesto el punto de mira en el teatro de sombras, con la exhibición de seis montajes de este género y dos exposiciones temáticas.

La viceonsejera de cultura y deportes matizaba que lo que se busca en este festival es “cultivar la afición de los jóvenes por la escena” y “crear nuevos espectadores con espíritu crítico”.
Serán 28 las compañías, tanto españolas como extranjeras, las encargadas de la edición de este año, que contará con 39 espectáculos que se presentarán en 81 escenarios esparcidos por el mapa de la Comunidad. De ellos 16 están en la capital. Una edición, en la que tiene un gran peso el teatro de sombras. Uruguay, República Checa, Portugal, Australia o Madagascar, entre otros dejarán una pequeña muestra de su arte.

Entre los espectáculos propuestos en la agenda merece destacarse el creado por Marcello Chiarenza y Alessandro Serena, inspirado en las grandes obras de la literatura universal en las que el mar es el protagonista. Dejándose capturar por las imágenes que evocan los textos, los creadores han elaborado un recorrido que narra la historia del hombre, sus necesidades primarias, pero también sus encuentros, sus magias y sus sueños. Los protagonistas de este viaje son una compañía de siete acróbatas formados en la Escuela Nacional de Circo de Cuba junto al actor Emanuele Pasqualini y la cantante Noriko Takano. Los acróbatas cubanos, dotados de una ancestral visceralidad perotambién de una técnica refinada, herencia de su relación con la escuela de circo de Moscú, muestran disciplinas como la pértiga de altísima espectacularidad. La música compuesta por el maestro Carlo Cialdo Capelli mezcla de ritmos del Caribe y melodías italianas se presenta como una de las características más originales del espectáculo. Esta obra, cuya producción es responsabilidad de Pantakin de Venecia, se estrenó en junio de 2006 en el Festival de Circo Contemporáneo de Grugliasco, en Torino. Enseguida inicio su gira por Bélgica, Francia, Hungría y España, donde ha sido premiado entre las mejores producciones de la Feria Internacional de Teatro de Tárrega.